Christopher David White

Christopher David White es un escultor nacido en Estados Unidos que realiza obras a partir de arcilla y materiales como trozos de madera, hierro oxidado y otros objetos en estado de deterioro a partir de los cuales logra crear figuras humanas extraordinaria y perturbadoramente “reales”.

DECLARACION DEL ARTISTA

El ser humano es para la naturaleza como la piel es para ladrar, como las raíces son para las venas. La humanidad está inextricablemente ligada al mundo natural. Nuestros patrones biológicos se repiten en todo el universo, desde la micro hasta la macro, desde nuestro ADN hasta el cosmos. Sin embargo, hemos creado barreras entre nosotros y la naturaleza. Nos hemos opuesto a este mundo que nos sostiene. Nos hemos convertido en extraños de todo lo que nos convierte en lo que somos. Mi trabajo actual explora nuestras relaciones con la naturaleza y cómo nuestras interacciones diarias afectan el frágil equilibrio entre la humanidad y el medio ambiente. ¿Cómo interactuamos y percibimos el mundo que nos rodea? Las repercusiones de nuestro consumo persistente están inclinando el equilibrio hacia un futuro sombrío que pone en peligro nuestra propia supervivencia. Dado el estado sin precedentes de nuestros logros tecnológicos y científicos, no solo es posible sino necesario encontrar un nuevo equilibrio que promueva una relación reflexiva y sostenible con la naturaleza. Con la arcilla como mi medio de elección, hago meticulosamente a mano elementos naturales dentro de nuestras vidas, aprovechando la capacidad innata de la arcilla para imitar una amplia variedad de materiales. Utilizo el trompe l’oeil como una opción estilística para hacer cumplir el concepto de ilusión. Pero la verdadera ilusión es el mundo en el que la humanidad ha creado. Es una existencia que busca separarse de la naturaleza. La yuxtaposición de características naturales y hechas por el hombre en combinación con el sesgo de la escala, la proporción y el material, ayuda a crear una percepción alterada, lo que obliga al espectador a mirar más de cerca tanto externa como internamente.

Kazunori Hamana

Al principio cuando empecé a ver sus obras me recordaron al Kintsugi pero enseguida comprendí que no tenía nada que ver. Es algo difícil de explicar pero como todo lo japonés me parece sencillo y muy complicado.

«La arcilla es algo natural; cambia. No quiero luchar con la naturaleza, así que la sigo».

Kazunori Hamana nació en Osaka, Japón, en 1969 y creció en Amagasaki, prefectura de Hyogo. Desde su infancia, se ha visto impulsado a perseguir un profundo interés filosófico en la naturaleza de cómo funciona el universo a nivel micro y macro. Esta conciencia de la impermanencia y la transiencia de las cosas terrenales ha guiado su trabajo y estilo de vida. En este sentido, Hamana dejó su casa a la edad de quince años para quedarse con los agricultores de la prefectura rural de Hyogo, trabajando en la tierra y cuidando el ganado en una escuela agrícola cercana. Después de un período de estudio en el condado de Humboldt y San Diego, California, como estudiante universitario integrado en un entorno hippie, el artista se sintió atraído por su país de origen y su identidad japonesa. Más tarde se estableció en un pueblo de pescadores rural en la prefectura de Chiba, en Japón, donde actualmente divide su tiempo entre trabajar como agricultor de arroz orgánico, pescador y artista.

Curators Cube

Hamana se basa en las antiguas tradiciones de la cerámica japonesa mientras cultiva nuevas técnicas inventivas de conformación, acristalamiento, coloración y cocción. Hace recipientes grandes y delicados con arcilla natural procedente de la prefectura de Shiga en Japón. Inspirado en el tsubo tradicional japonés, frascos de arcilla funcionales que se remontan a tiempos prehistóricos, crea cada escultura a mano, haciendo uso de la improvisación y la experimentación. Un ceramista autodidacta, Hamana incorpora un proceso lento y gradual, haciendo eco del ritmo de su vida diaria en su entorno rural. Considera que estas tareas diarias son primordiales para su práctica sostenible y su búsqueda de la verdad. Después de que se disparan las ollas, las coloca fuera de su estudio, donde se les deja acumular impresiones de las estaciones cambiantes. A medida que estos objetos de forma irregular continúan su desarrollo en balcones bañados por el sol arrastrados por las olas del mar, en arboledas de bambú a la sombra o en su jardín frente a la montaña y sus campos de arroz, el entorno natural dirige su transformación.

La loza de Hamana ofrece una mirada contemporánea a la rica y larga historia de cerámica de Japón, desde antiguas figuras funerarias de terracota hasta objetos domésticos cotidianos. Con superficies a veces fisuras y peladas como tierra seca, las esculturas de Hamana aparecen en varios colores que van desde el blanco hueso hasta los azules ahumados; algunas con formas geométricas y orgánicas, rayas, símbolos y lenguaje. Canalizando la tradición a través de una lente contemporánea, Hamana hace referencia a la historia humana y a la historia del arte, incluidas las prácticas de Cy Twombly, Alberto Giacometti, Isamu Noguchi y Jackson Pollock; el resultado es un cuerpo de obra imbuido de la belleza de la imperfección y lo efímero.

Este enlace lleva directamente a Instagram donde se puede ver de una forma muy cómoda muchas obras suyas y al propio artista. Y aquí el enlace a Pinterest.

Kazunori Hamana Ceramica.

Bruno Walpoth

La idea de esta entrada surgió a partir de la página web IGNANT donde encontré las imagenes del escultor, después buscando mas descubrí el blog «Voyage a través l’art du monde» y pensé que las mejores imágenes estaban en este blog.

Una selección de las magníficas esculturas en madera del artista italiano Bruno Walpoth, que moldea con gran realismo cuerpos humanos a partir de bloques de madera. Esculturas sencillas, sin artificios, pero de las que surgen muchas emociones gracias a su notable trabajo sobre las miradas y las expresiones faciales.
Utiliza herramientas de escultura simples para transformar trozos de madera (cal y nogal) en esculturas humanas con características detalladas que vistos desde lejos miran increíblemente la vida como

Walpoth utiliza pintura semitranslúcida para cubrir sus obras, asegurando que los granos de madera permanezcan visibles. Hay un sentido de vida y humanidad en las figuras que a menudo parecen bastante pensativas y profundas en el pensamiento.

Habiendo crecido con un linaje de abuelos y un tío que eran distinguidos talladores de madera, Walpoth ha elegido ansiosamente seguir su práctica, incorporando sus propias ideas contemporáneas a la artesanía. Inspirado en todas las formas de arte que se encuentran más allá de la talla y las esculturas en madera, Walpoth se acerca a losas sólidas de madera con una perspectiva creativa, transformándolas en figuras intrincadamente detalladas a imagen de hombres y mujeres.

Y ya está no hay mucho más que escribir simplemente hacer click en cualquiera de los links y disfrutar de las imagenes que encontraremos.

Peter Demetz

La información la he obtenido de un blog llamado «El Hurgador«. Tiene muchas cosas interesantes.

Peter Demetz es un escultor italiano nacido en Bolzano en 1969, que vive y trabaja en Ortisei.

Estudió en la Escuela de Arte de Ortisei (1983-84), fue aprendiz en el taller de Heinrich Demetz (1984-90), y obtuvo su diploma como Maestro Escultor en 1993.

En la obra de Peter los personajes aparecen representados con minuciosidad y detalle exquisitos, y situados en ambientes al estilo de los dioramas, en los que el artista juega con la luz, el color y la perspectiva. Son recreaciones de escenas, generalmente en miniatura, en las que las actitudes y entorno ofrecen una representación teatral de las peripecias vitales de los personajes.

Peter Demetz trabajando en su taller.

La zona donde vivo tiene una tradición de 400 años de tallado en madera. Crecí rodeado de escultores en madera, y seguramente así fue como este material vivo causó impresión en mi vida. La madera fue el material de mi formación, con el cual crecí profesionalmente. Pero fue mucho después que decidí continuar trabajando con ella. Aprendí a amar su aroma, su cálida superficie, su aspecto natural. Pero esas son consideraciones sentimentales. La elección de la madera de tilo como soporte de mi arte es en parte una elección pragmática, y en parte una elección artística.

La madera tiene los elementos que necesito para hacer estas esculturas. Utilizar el tilo es una elección artística. Con su color brillante, y su veta homogénea y no obstructiva, tiene la estética que generalmente encaja con mi obra. Así que no hay romanticismo para mí cuando creo mis obras en madera. Mi atención está enfocada en la escena, en la expresión. Algo tiene que emerger en mi obra, un sentimiento indefinible o emoción. El material es secundario

Enlace a la página donde encontrar muchas de sus obras.

Hsu Tung Han

 

Hsu Tung Han est un artiste sculpteur de Taiwan qui réalise d’étonnantes sculptures de bois pixellisées.

Si ses personnages détaillés semblent dynamiques, c’est la touche de l’artiste résidant dans l’ajout de pixel dans ses oeuvres qui donne cet effet de mouvement.

L’artiste considère son travail comme une sorte de puzzle. Il dessine et prépare ses sculptures avec des modèles d’argile puis façonne les pièces de bois qui s’imbriquent parfaitement.

Après les sculptures de bois glitch de Paul Kaptein, voici donc quelques sculptures de bois pixellisées par Hsu Tung Han, en images:
(plus de ses créations sur le site web de l’artiste ici)

Hsu Tung Han